Rafa López: un universo de colores sin fronteras

Hay artistas que pintan lo que ven y otros que necesitan transformar aquello que ven para poder contarlo. En el caso de Rafa López, ambas cosas parecen suceder al mismo tiempo. Nacido en Dos Hermanas en 1983, este artista ha construido a lo largo de casi dos décadas un lenguaje propio en el que conviven el color, la figuración, la abstracción, el cómic, el grafiti, el pop y una mirada muy personal sobre la realidad que le rodea.

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla y máster en Técnicas Profesionales de la Ilustración, Rafa López comenzó su trayectoria profesional en 2007 y desde entonces ha desarrollado una extensa carrera expositiva, con más de cuarenta exposiciones individuales y numerosas muestras colectivas dentro y fuera de España. Su obra ha viajado por distintos países y ha recibido reconocimientos como el XXXVI Premio Bancaja de Pintura o el primer premio del Certamen Nacional de Pintura «El Primero de Fariña».

Pero reducir su trayectoria a premios, exposiciones o etiquetas estilísticas sería quedarse en la superficie. Porque una de las características más interesantes de su trabajo es precisamente su resistencia a ser encasillado. El propio artista ha explicado que prefiere no definirse técnicamente y que sea el espectador quien encuentre las influencias y las conexiones. En sus cuadros aparecen historias, viajes, recuerdos, acontecimientos sociales y experiencias personales. La pintura se convierte así en una especie de diario visual en el que la realidad no se reproduce literalmente, sino que se transforma.

Esa dimensión autobiográfica quedó especialmente patente durante el confinamiento de 2020, cuando creó un gran «diario pictórico» de cinco metros de longitud en el que plasmó acontecimientos, recuerdos y reflexiones surgidos durante aquellas semanas excepcionales. La obra combinaba acrílico, rotuladores, spray y tinta y suponía, según explicó entonces, un recorrido por su propia vida.

El color es otro de los grandes protagonistas de su universo. Colores saturados, líneas marcadas y una gran intensidad visual conviven con diferentes técnicas y soportes. A ello se suma su trabajo en grandes formatos, murales, esculturas e instalaciones, demostrando que para Rafa López la pintura no tiene por qué permanecer encerrada dentro de los límites tradicionales del lienzo. Su trayectoria incluye, entre otros proyectos, intervenciones murales y trabajos de gran formato en España y Portugal.

En 2023 presentó en Sevilla Into the Pop, una exposición en la que volvió la mirada hacia algunos de los iconos de la cultura popular que acompañaron su infancia y juventud, especialmente de los años ochenta y noventa, mezclándolos con sus viajes, experiencias e inquietudes.

Desde Dos Hermanas hacia otros escenarios nacionales e internacionales, Rafa López continúa construyendo un universo reconocible, colorista y en constante evolución. Hablamos con él sobre sus comienzos, sus influencias, su manera de entender la pintura, la relación entre arte y sociedad y, sobre todo, sobre esa necesidad de crear que parece estar en el origen de toda su trayectoria.

Transcripción de la entrevista

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¿Quién es Rafa López?

Rafa López es un ciudadano de Dos Hermanas, amante de su tierra y que decidió quedarse en Dos Hermanas para pintar y desarrollar su trabajo desde aquí.

Rafa, naciste en Sevilla pero tus raíces están profundamente vinculadas a Dos Hermanas. ¿Qué significa para ti ser un artista nazareno?

Pues como todo en la vida tiene sus pros y contras, pero yo sólo te voy a decir sus beneficios, que no son vivir con todos mis amigos de toda la vida, con mi familia, el poder ir andando a los sitios, el quitarme estrés de grandes ciudades.. y bueno, y vivir todo, todo lo que se ve en Dos Hermanas diario, como ya son romerías, Semana Santa, Feria, pues todo vivirlo con amigos, que eso para mí me beneficia muchísimo después a la hora de trabajar.

Desde muy pequeño mostrabas inquietudes artísticas. ¿Recuerdas cuál fue el momento en que descubriste que pintar no era simplemente una afición, sino una necesidad?

Bueno, la necesidad yo creo que la tengo desde siempre, no se me ha quitado nunca o no tengo otro recuerdo que no haya sido con esa necesidad.

Es verdad, esto porque me lo han contado mis padres, que de pequeño me soltaban en una mesa y mientras mis hermanos eran hiperactivos, pues me soltaban en una mesa con colores y me llevaba horas y horas dibujando y esto siempre ha sido así.

Es verdad que ¿dónde estuvo el punto que cambió o que creo yo que cambió? Pues estando en el colegio, en primero, mi profesora Loli, en una tutoría con mis padres, les acercó a ver el Portal de Belén que se hacía en la clase, con plastilina como todas las Navidades y al ver, digamos, el muñeco, mira, esta es la figura de tu hijo. Mis padres lo vieron tan normal, pero ella le dijo, mira, fíjate bien, y esa figurita que no dejaba de ser otro monigote, pero era un monigote que le había hecho los ojos, le había hecho pelo, le había hecho dedos...

Entonces, bueno, mis padres ya viendo que yo me llevaba horas y horas dibujando, que me encantaba, y después, pues viendo las indicaciones de esta profesora, pues decidieron apuntarme a mi primera clase de pintura, con no sé cuántos años tenía, unos 6 o 7 años... y desde entonces no he dejado de asistir a academias.

Cuando se habla de tu obra aparecen términos como figuración, abstracción, expresionismo, surrealismo, pop, cómic o grafiti. Sin embargo, tú has dicho que no te gusta catalogarte. ¿Por qué?

¿Por qué? Porque a mí realmente lo que me gusta es pintar y yo cuando desarrollé esta obra, este tipo de líneas de trabajo más conocidas, yo no estaba analizando lo que estaba pintando ni lo que me gustaba ni lo que no me gustaba, eso ha venido a posteriori. Y después también porque son los críticos, los historiadores y los comisarios de exposiciones los que hablan de tu obra.

Y aunque yo conozca después de tantos años mi obra, prefiero que sean ellos los que hablen de ella.

Has definido el color como una necesidad. ¿Qué buscas provocar mediante esos colores tan saturados?

Primero, la necesidad siempre ha existido. Porque antes de descubrir esta línea y antes de entrar a la Facultad de Bellas Artes o durante, yo ya tenía ese color, trabajando la figuración y el realismo con un color muy saturado de las cosas, entonces esa necesidad siempre ha estado.

De hecho, cuando he intentado forzar y quitar ese color tan saturado, ha sido perjudicial para la obra.

Y después de segundas, que qué es lo que busco... Yo no sé si lo busco o no lo busco, pero es verdad que el color, la luz de Andalucía lo tenemos aquí y eso está muy presente. Entonces mi obra, ese impacto primero de color hace, o creo yo que hace, que el espectador se detenga y haga efecto señal de tráfico, efecto de atención.

Entonces es una cosa que me viene bien para llamar a la atención en ese espectador y después una vez que se detenga pues ya empieza a leer y a tener lecturas del cuadro, pero de primeras tengo esa llamada de atención y creo que es beneficio para mí.

Has dicho que en tus cuadros cuentas historias. ¿Qué historia te interesa contar cuando te colocas delante de un lienzo?

¿Cuento historias? Sí, o cuento mis historias realmente.

Yo realmente me he dado cuenta y me considero un pintor cronista como antiguamente o siempre lo ha habido en la historia del arte. Desde Goya, Velázquez, todos han sido pintores que representaban el tiempo en el que vivían y lo que les sucedía. Pues a mí me pasa un poco parecido.

Yo realmente mi trabajo o mis obras las desarrollo como un diario. Un diario que voy contando ahí lo que me acontece a mi alrededor, ya sea desde fiestas que representan la Semana Santa, las Ferias, pero mis ideas políticas, sociales, inquietudes, en fin... cuento todo lo que se me pasa por la cabeza y eso. Al final no deja de ser un diario que en vez de escribir pues lo pinto.

¿Te preocupa que el espectador interprete tu obra de una manera completamente diferente a la que tú habías imaginado?

Bueno, no solo no me preocupa sino que es lo que busco. Como he dicho anteriormente, mis cuadros los trato como diarios y yo creo que a nadie le gusta que lean su diario. Entonces, al final yo pinto el cuadro, pero una vez que lo termino ya el cuadro pertenece a la espectador y a quien lo mira... y que le dé su interpretación.

Es cierto que la gente que me conoce puede llegar un poco a muchos de los aspectos que quería representar en el cuadro, pero no es lo que busco. De hecho, yo lo que busco es que el espectador se ponga delante de un cuadro mío y le dé su interpretación y le haga viajar, le haga fantasear y le haga hacerse preguntas que realmente es lo que valoro yo en una obra, que un cuadro le haga preguntas.

De hecho, hablando de este tema, hablando antes que he pintado cuadros sobre Semana Santa, sobre la romería o sobre las ferias; he vendido cuadros y además cuadros de gran formato con un montón de elementos en ellos sobre Semana Santa y sobre Feria, tanto en Estados Unidos como en China. Dime tú lo que ha visto ese cliente o que ha visto en ese cuadro, así que me imagino que habrá viajado y es lo que le hace gustarle de la obra.

En tu obra se perciben elementos próximos al cómic, al grafiti y a la cultura pop. ¿Qué te interesa de esos lenguajes?

Me interesa todo, porque al final yo las referencias las voy sacando inconscientemente o siempre yo con la antena parabólica puesta desde siempre y ya sea yendo por la calle, en un viaje, viendo una película, escuchando música... siempre estoy con ese radar por si es algo que me interesa para después llevarlo a uno de mis cuadros.

Esta influencia tan grande... yo creo que eso se quedó en el subconsciente de cuando era pequeño, que como os he dicho anteriormente, no dejé de ir a esas clases de academia que tanto me gustaban. Pero ahí íbamos por una línea muy marcada, tanto de escultura griega, del claro oscuro y todo muy vinculado a las bellas artes que se consideraban entonces.

Pero yo cuando llegaba a mi casa, a mí lo que me gustaba era dibujar y pintar por mis gustos personales, ya sean de videojuegos, los cómics, incluso revistas de videojuegos. ¿Y qué pasaba con esto? Antiguamente no teníamos internet para estar buscando referencias para poder copiarlas, pues yo las sacaba de todos estos elementos y donde había material de lo que a mí me gustaba. Y yo creo que todo eso se quedó en el subconsciente y desarrollando mi lenguaje propio y mi forma de expresarme, pues salió todo de golpe y de ahí yo creo que todas esas influencias.

¿Crees que la cultura visual que consumimos actualmente —publicidad, redes sociales, televisión, videojuegos— está cambiando nuestra manera de mirar y, por tanto, también la manera de pintar?

Sí. Todos los creativos se han adaptado a su tiempo y se tienen que adaptar en el momento en el que viven. Si dicen lo contrario es que están mintiendo. De hecho, pues con un ejemplo, en el cine lo que está cambiando actualmente, esto que estamos hablando, los directores se tienen que meter a desarrollar un tipo de cine con muchísimos cortes de plano porque los jóvenes y no tan jóvenes están habituándose a consumir un producto de redes sociales de muchos impactos y muchos estimulantes.

Entonces, pues con el arte y con el resto pasa lo mismo. Nos estamos adaptando queriendo o sin querer, pero desarrollamos lenguaje nuevo o que esté más cercano al público. Aunque bueno, siempre desde tu punto de vista y siempre con una coherencia o por lo menos la coherencia que yo pienso.

Has defendido que el arte no debería ser algo elitista. ¿Qué tendría que cambiar para que una parte mayor de la sociedad se acercara a los museos y a las galerías?

Tenemos un problema hoy día en la sociedad española sobre todo, que es la incultura tan grande que hay en la sociedad, que eso es un hecho. Yo miré, echando la vista y mirando de dónde pueden estar esos problemas, uno de esos problemas puede ser la enseñanza en los colegios. ¿Por qué? Porque los niños cuando entran en infantil, de 3 a 6 años, entran con una cantidad de horas de arte, ya sea pintando con las manos, con los dedos, en el suelo, en el cuaderno, en papel continuo y grandes murales, modelando con plastilina, recortando, incluso con expresiones artísticas, deporte...

Es todo muy imaginativo y todo creando, creando y creando, que al niño le ayuda a desarrollarse como persona, pero también para otro tipo de recursos que le van a valer para la vida en general. ¿Qué pasa? Que esto se corta cuando entra en primaria. Y de estar todo el día desarrollando esa parte artística, lo cortan a una hora y media a la semana a compartir con música.

Y encima este profesor no es especialista. Hay especialistas en lengua, bueno, en lengua no, en inglés, en francés, en educación física, en religión, en música... pero no hay un especialista que sepa guiar a esos niños. Y si encima les quitas todas estas horas de trabajo de lectiva, pues le estás diciendo que estamos creando una sociedad sin esos recursos que después, cuando sean adultos, no van a saber valorar todos estos aspectos.

¿Consideras que el artista tiene alguna responsabilidad a la hora de hablar de la sociedad de su tiempo?

Creo que no, que cada artista puede desarrollar su trabajo y expresarse de la manera que quiera, pudiendo o no pudiendo hablar de su tiempo. Pero también te digo: yo considero al artista realmente el que se expresa con libertad. ¿Qué quiero decir con esto? Que hoy en día es verdad que por trabajo, y un artista que quiere desarrollar su carrera y que le sirva de profesión, que realmente sea su profesión, esto es un poco difícil de desarrollar.

¿Por qué? Porque al final hay muchos artistas que trabajan sobre el encargo y que pintan lo que otros quieren. Entonces pintan, o modelan, o esculpen, o crean cines, o música, o literatura. Entonces yo veo eso importante, que al final el creativo surja siempre desde esa libertad de creación.

Has trabajado en murales, instalaciones y grandes superficies, además del formato tradicional. ¿Qué cambia en tu manera de pensar cuando pasas de un lienzo a una pared de grandes dimensiones?

Pues nada, aquí es un poco, yo soy, no sé si es raro, pero fiel a mis principios en cuanto a la hora de abordar pintura mural de gran formato. ¿Por qué digo esto? Porque yo realmente, ya sea un cuadro de un metro, como un mural de 200 metros, lo elaboro igual. Yo tengo que estar en continua comunicación con ese trabajo y en contra de otros pintores o de grandes muralistas, que lo que desarrollan es un boceto previo y después la adaptan a ese mural, y durante esos días o semanas de trabajo, lo que están es representando ese boceto como si fuera una impresora, digamos. Entonces a mí me da muchísima ansiedad cuando me he puesto delante de un mural y tener que pasarme horas y horas y horas haciendo de impresora.

Yo tengo que estar comunicándome, como he dicho anteriormente, y tengo que estar hablando con esa pintura que me está diciendo, al igual que un cuadro, sino, es que me volvería loco.

Has expuesto y trabajado en diferentes lugares de España y en países como Portugal, Taiwán, China o Bulgaria. ¿Qué supone para un artista de Dos Hermanas llevar su obra a otros países?

Yo lo veo como algo natural. ¿Qué supone? Al final, las artes no se deja de ser un lenguaje internacional y no por eso se tiene que quedar en tu tierra.

Hoy día, pues con esta globalización tan grande que tenemos, pues esto es cada vez más posible. Y de hecho, te voy a decir que a lo mejor llega más mi trabajo fuera de Dos Hermanos, fuera de España, que aquí en España, porque al final no deja de ser un lenguaje menos tradicional, que no está a lo mejor la gente acostumbrada o tiene esa preparación cultural para poder leer ese lenguaje.

¿Qué papel han desempeñado las galerías en tu evolución profesional?

Pues al final, las galerías de arte son las que te dan ese empuje profesional para acercar tu trabajo a personas que consumen arte. Y después desarrollar proyectos importantes, tanto dentro como fuera de España, para poder crear tu trabajo no solo en el formato físico.

¿Qué quiere decir esto? A mí me gusta también que la exposición sea parte de la obra y cree también un contenido en esa exposición donde los cuadros tienen que dialogar entre ellos y hacer montaje diferente a lo que estamos acostumbrados a ver, al típico cuadro de colgar una pared.

Desde hacer instalaciones, jugar con el espacio, dibujar las paredes y conectar unos cuadros con otros, jugar con la pintura, esa inquietud que tengo yo, que la pintura salga del formato y aborde el espacio, ya sea con instalaciones, con esculturas, con recortes de madera colgados de las paredes....

En fin, me gusta volcarme mucho en la exposición y que se vea también la diferencia entre lo que es el cuadro cuando lo veas aquí en el taller a cuando se muestra en una exposición.

Tu trayectoria ha ido incorporando pintura, escultura, instalaciones, murales e ilustración. ¿Hay algún territorio artístico que todavía tengas pendiente de explorar?

Pues sí, tengo unas ganas enormes de poder acometer una escultura o, mejor dicho, un grupo escultórico en una situación urbana y de carácter civil.

Ya que estamos aquí en Dos Hermanas, me encantaría poder intervenir una rotonda entera y desarrollar una intervención con diferentes piezas mías de diferentes tamaños y que ya he hecho incluso bocetos, y que tuviera muchísimo color.

¿Próximos proyectos que nos quieras contar?

Los próximos o actuales, yo os invito a que visitéis mi exposición.

Hasta aquí llego, que está desarrollada en la Galería Espacio Excéntrico de Sevilla, en Los Remedios, y que es una manera muy buena para conocer todo mi trabajo. De hecho, es la primera exposición que desarrollo aquí en la provincia desde hace tres años.

Has sido innovador, incluso decorando una caseta. Explícanos un poco esa experiencia artística.

Pues esto, a ver, no viene siendo de un día para otro, sino, como dije antes, yo estoy bastante vinculado aquí a mi ciudad y una cosa es que vivo la feria muy intensamente porque tenemos la caseta del Callejón, que es una caseta de amigos y de familia.

Entonces, esta caseta, desde hace muchos años, la decoramos de una forma diferente, acorde a los gustos de los artistas que estamos allí, por ejemplo Diego Gómez, que también está, tenemos también algunos decoradores, y mi trabajo también lo he vinculado. ¿Qué ha pasado? Después de tantos años, hace un par de años, quise tomar como proyecto el intervenir la caseta entera y mezclar de forma global el concepto de arte contemporáneo con tradición. Y nada, pues pusimos a desarrollar todo el proyecto y creo yo que con muy buenos resultados.

¿Qué opinión tienes sobre el futuro de la Feria, en el actual recinto de Vistazul o en el Palacio de Congresos de entrenúcleos?

Yo soy defensor de que la feria se quede donde está... sobre todo porque es verdad que, egoístamente, nos facilita mucho las cosas el poder ir andando, a tener que ya movernos con coche, con lo que supone también el mezclar bebidas alcohólicas con coche o servicios públicos, que lo hace todo más incómodo. Así que yo prefiero seguir en la feria pequeñita en la que estamos y poder ir andando todos los días a ella.

¿Si no te hubieras dedicado al arte a qué te habrías dedicado?

Realmente, creo que eso es una de las cosas que más clara he tenido siempre en mi vida, que quería dedicarme o intentar ser pintor, o por lo menos artista.

Tuve una época que es verdad, que a mí el deporte es algo que también está presente mucho en mi vida y sigue estando y no sé, a lo mejor se hubiera podido tirar por ahí, pero yo creo que no.

En estos años de carrera, es verdad que yo pasé una crisis tan grande que hubo en el 2008 y que durante esos años, tuve muchos años y hubo meses que prácticamente no entraba dinero en casa, y me estuve planteando otras cosas, pero es verdad que rápidamente volví otra vez, porque sé que esto es un camino de fondo y que al final llega así con esa constancia de años.

¿Qué consejo le darías a los jóvenes que quieren iniciarse en el mundo del arte como artista?

Como he dicho anteriormente, el mejor consejo, o creo yo que me hubiera gustado que me dijeran cuando estaba empezando, era esa constancia.

Esto es un mundo en donde los resultados van viniendo poco a poco, muy poco a poco y realmente sin esa constancia de años, y digo de años, detrás no vas consiguiendo o empezando a tener una estabilidad. ¿Por qué digo esto? Porque es verdad que económicamente a lo mejor no te da para estar dos o tres años sin ver un euro y poder dedicarle dedicación plena, además que hay que dedicársela, que tú tienes que considerar como un trabajo, pero a lo mejor tienes que buscarte una ayuda o un segundo trabajo para intentar tener algo de recursos económicos para continuar con esa evolución. Porque como cortes entonces ya para volver a iniciarse es complicado.

Y un mensaje final al mundo del arte, de la cultura y a Dos Hermanas en general.

Mira, para la gente, voy a hablar lo del mundo del arte en general, incluso también para la gente de Dos Hermanas que culturalmente es muy clásica.

A mí me llegan siempre muchas preguntas de que eso no es arte o que no me gusta ese arte, o que no lo entiendo. Pues yo el consejo que os doy sería, al igual que con cualquier otra modalidad artística, ya sea música o cine, por ejemplo, para poner un ejemplo, os recomiendo que consumáis, que consumáis arte, que leáis y que vayáis a exposiciones. ¿Por qué? Porque el ojo se os va haciendo y vais cada vez más y entendiendo ese trabajo como lo mismo pasa con la música.

Que si no te sales de la música comercial no vas a poder llegar a otro tipo de estilos, menos comerciales y seguramente muchísimo más gratificante que si te quedas en... Entonces el oído se te va a ir haciendo al igual que en la pintura o en las artes, la vista.

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Rafa López: un universo de colores sin fronteras